灯光艺术展很美，还能刷爆朋友圈，但你真的看懂了吗？

2019-01-20

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文章简介：Robert Irwin<#3×6' - Four Fold>,2011年去年,艺术家詹姆斯·特瑞尔(James Turrell)在上海的个展刷屏了不少人的朋友圈.饱和度极高的色彩充斥在密闭的房间里,随着时间的变化光芒渐渐变动.观众踏入"光之房间"的瞬间,便失去了影子和对空间的辨别能力. James Turrell<Virtuality Squared>,2014年詹姆斯·特瑞尔常被认为是"光与空间运动"(Light and SPAce)

Robert Irwin《#3×6' - Four Fold》，2011年

去年，艺术家詹姆斯·特瑞尔（James Turrell）在上海的个展刷屏了不少人的朋友圈。饱和度极高的色彩充斥在密闭的房间里，随着时间的变化光芒渐渐变动。观众踏入“光之房间”的瞬间，便失去了影子和对空间的辨别能力。

James Turrell《Virtuality Squared》，2014年

詹姆斯·特瑞尔常被认为是“光与空间运动”（Light and SPAce）的代表艺术家。这个起源于上世纪60年代的艺术流派，诞生在美国南加州地区，或许是加州充沛的阳光给了艺术家们足够的灵感，让他们源源不断地做出令人耳目一新的好作品。

Peter Alexander《The Wave》，布面油画，121.9×134.6cm，2014年

艺术家Peter Alexander是光与空间运动的开创者之一。他毕业于英国著名的建筑联盟学院，后又在加州大学伯克利分校深造，Peter Alexander本可以成为一名出色的建筑师，但他却在60年代因创作雕塑而声名鹊起，或许是学习建筑设计令他对空间异常敏锐，他的雕塑作品能完全跳脱出传统，从材料到形态都具备着极强的现代感。

Peter Alexander《11/3/14 (Green Wave)》，2014年

Peter Alexander对于光线的研究体现在他的绘画、版画和雕塑作品中。他采用印象主义对光的处理方式，使画作具有强烈的氛围感；他使用半透明塑料与树脂制作雕塑，使作品在光照下透出微妙、柔和的色调。

Peter Alexander《10/14/13 (Black Leaner)》

艺术家所采用的颜色并非来源于自然：哑光的黄绿色、玫瑰粉红色和闪烁的浅蓝色，Peter Alexander的调色板让人轻易联想到高科技合成下的产物或是科幻小说中的未来世界。

Peter Alexander《10/8/14》，24.5×22.5×11cm，2011年

Peter Alexander《Mirasol》，2009年

观众站在Peter Alexander的树脂雕塑前，总是会伸长脖子想要看个清楚，他们试图弄清静止的光线到底从何而来。高大的楔形雕塑从黑暗的坚实基座升起，逐渐向上延伸变成了光。其颜色从透明到墨色，仿佛捕捉到了朦胧的南部加利福尼亚的阳光、水面与天空融合的精髓。

Peter Alexander《3/16/13(Pale Blue Square)》，2013年

Robert Irwin《Light and SPAce》，2007年

艺术家Robert Irwin的创作生涯开始于抽象表现主义的绘画作品，正如60年代的大部分年轻艺术家一样，他也对抽象表现主义表现出了极高的热忱。1957年，Robert Irwin在洛杉矶的画廊里举办了他的第一次个展。开展前，他环顾了一圈自己的画作并突然意识到这并不是自己真正想做的。

Robert Irwin《Untitled》，1969年

他在上世纪70年代首次在作品中使用灯光，将多排的柱状灯安置在画廊的墙面上，于灯管内部涂上了可以改变光线透射的彩色凝胶。随后，Robert Irwin将创作带入了户外的空间，在公园、博物馆和各种城市场所制作装置。

Robert Irwin《#3×6'D Four Fold》，2015年

Robert Irwin《Prism》，1971年

Robert Irwin的装置艺术常常根据展览场地因地制宜，为不同的展览空间创作合适的作品。艺术家离开了工作室，直接进入待改造的场地内部，他通过操纵环境而保留了艺术品的结构，以此创造互动式的体验。

Robert Irwin《Double Blind》，2013年

虽然致力于空间的打造，但Robert Irwin认为自己的作品并不是由场地主导的，他的目的在于增强观众对空间的感知。艺术家欢迎观众在装置内部进行开放式的探索，获得属于自己的经验感知。

Robert Irwin《1º 2 º 3 º 4º》，1997年

John McCracken《Untitled》，1971年

John McCracken作为美国著名的极简主义雕塑家，他的作品几乎包含在60年代所有的主要雕塑展览中。艺术家出生于加利福尼亚州，是洛杉矶艺术的重要参与者。

John McCracken《Chieftain》，1992年

当我们谈起“光与空间”，似乎总是直接联想到充斥着灯光的空旷空间，但John McCracken的雕塑作品同样属于“光与空间艺术运动”的范畴。他制作雕塑所采用的玻璃纤维、着色树脂以及抛光不锈钢等材质，是此派别艺术家常常使用的。

John McCracken《Dark Matter》，1990年

John McCracken的雕塑同样探讨了作品与空间的关系，这些被制作好的作品轻巧地倚靠在墙面上，制造出了一个微妙的角度。如果你从正面观看，常常会误以为这是一幅画，但绕到侧面时，雕塑的立体存在展露无遗。John McCracken的做法打破了二维绘画与三维雕塑之间的隔膜。

John McCracken《Untitled》，1972年

雕塑光泽感的表面充满了戏剧效果。John McCracken为了实现最终效果，每件作品都要经历上色、打磨和抛光的繁琐过程，以实现看起来如机器制造般的完美无缺的光泽。

John McCracken《Black Column》，1977年

Larry Bell《Barcelona Suite #6》，1989年

艺术家Larry Bell是Robert Irwin的学生。1970年，他与自己的老师同时出现在伦敦泰特美术馆的“来自洛杉矶的三位艺术家”展览中，从此奠定了自己在美国西海岸的杰出实践者地位。

Larry Bell《SF. 6.20.11A》，185.1×64.8cm，2011年

Larry Bell《SMBKWDEN #6》，1993年

Larry Bell的作品涉及众多媒介，绘画与雕塑是他最受好评的领域。他的艺术之路同样起始于抽象表现主义绘画，从那时起，他已经对描绘光的质感表现出异于常人的敏感。

60年代初，Larry Bell开始对玻璃产生兴趣。作为一种媒介，玻璃具有传输、吸收和反射光的属性。Larry Bell发觉平面绘画的尺寸成为了他的束缚，他需要从自行构建体积中突破这种限制。

Larry Bell《Cube #20》，1992年

他最出名的作品都来源于他对立方体的研究，而制作立方体的材质由Larry Bell不断实验而来。他的第一个立方体是使用家用镜子制成的，Larry Bell会在镜子上涂抹反光材料；后来他发现并使用了一种新的电镀工艺，可以使玻璃在两侧反射，呈现出更好的效果。

Larry Bell《Untitled》，1962-1963年

通过早期的立方体实验，Larry Bell在立方体中结合了不同的几何图像，为简单的形式增加了视觉复杂性和深度。但Larry Bell最终放弃了不同几何形的叠加，他不断改进镀膜技术，专注于审视立方体本身。

Larry Bell《Untitled》，1985年

Larry Bell的作品表面可以被看作镜子，也可以作为窗户存在。展览环境中提供的照明直接影响了作品的呈现效果，观察者在立方体周围四处走动并从不同角度透视作品，它们被放置在艺术家设计的透明基座上，允许观察者从下至上进行感知。

Larry Bell《Untitled》，1985年

Mary Corse《The Cold Room》

作为上世纪60年代“光与空间运动”的主要推动人物，女艺术家Mary Corse的作品在近年才得到应有的承认。

Mary Corse《octagonal blue》，1964年

Mary Corse的作品乍看与普通画作无异，但走近了你才会发现它们在光芒下微微闪烁。她在画布上添加玻璃微珠、反光的贴片或者直接将闪闪发光的油漆用作颜料。

Mary Corse《Yellow, Black, White, Beveled》，2013年

Mary Corse的绘画与雕塑采用无限的排列方式，当观众站在特定的位置，就会看到闪烁的质感。随着人的走动，闪烁的位置也在发生着变化，Mary Corse将其视为个人对不断变化事物的冥想体验，作品也有着转瞬即逝的性质。

Mary Corse《Untitled (DNA Series)》，2017年

在60年代后期，Mary Corse注意到涂在公路上的油漆，它们在夜晚也会保持明亮，为行路者提供照明。她将这些材料带入到创作，并将其称之为“白光画”。Mary Corse的作品展出时需要小心地处理与照明，才能呈现出最佳效果。有人认为这正是她被长久忽视的原因——画廊与美术馆的失职所导致的展出效果减损。