从《海鸥》看导演科尔苏诺夫：以“排练场”的方式排演回归戏剧的本质

《海鸥》是被誉为“二十世纪现实主义戏剧奠基人”的俄国作家契诃夫的经典之作，剧本几乎就是用契诃夫和米齐诺娃的故事来写的。可以说，这部戏对契诃夫有着特别的意义。1896年10月17日，《海鸥》在彼得堡皇家剧院首演失败，在舆论的批评声中，失望的契诃夫曾一度发誓永远不再创作剧本。在不断的调整修改剧本后，1898年12月在莫斯科艺术剧院再次上演契诃夫的《海鸥》，获得巨大成功。《海鸥》成为契诃夫在戏剧方面的成名之作，同样也使莫斯科艺术剧院一跃成为一座新兴著名剧院，活跃在俄国剧坛上。从此，莫斯科艺术剧院就把“飞翔的海鸥” 绘制在舞台的大幕上，作为剧院的标志。

《海鸥》讲述的是在一个乡村的美丽湖滨，有一个少女妮娜，她幻想着舞台、荣誉、爱情、幸福。有一个初学写作的青年特里勃列夫爱上了她。特里勃列夫的母亲是一个名演员，她带着名作家果林一块来到自己哥哥的庄园里休养。随后，妮娜狂热地爱上了果林，并到莫斯科去找他。而果林却是一个轻浮的人，他玩厌了妮娜，给她留下个孩子，然后抛弃了她……表面来看，这个故事并没有喜剧色彩，然而契诃夫式幽默是一种内敛的幽默，他用喜剧精神来观照生活中的悲剧情境，忧郁与幽默互为诠释的关系。

与OKT剧团曾经来华演出的《哈姆雷特》一样，奥斯卡·科尔苏诺夫的《海鸥》并没有对契诃夫的这部经典名作大作解构，而是相对忠实地将契诃夫的原作展现在舞台上。但独具特色的是，这一版的《海鸥》演出的舞台就像是一个“排练场”，演员们在舞台左侧坐成一排“候场”，戏份到谁谁便起身上场，仿佛在进行一场“彩排”；舞台上的道具因陋就简，几把折叠椅，一条皮沙发，就算是象征原著中19世纪末俄国湖畔庄园了；至于复杂的舞台声光电，更是一概没有，光源就主要来自顶棚上的白炽灯。而且大部分版本《海鸥》的结尾里，依照原作，男主角自杀后，众人有一个对男主角母亲隐瞒的步骤。但OKT剧团在导演设计之下，故事在医生说出“乙醚瓶子炸了”之后戛然而止，留白的部分交到了观众手中……

奥斯卡·科尔苏诺夫导演为什么要用这样的形式排演《海鸥》？契诃夫的《海鸥》在OKT剧团的演绎下，具有了什么样的新意和深意？这要从他对戏剧的认识以及执导“排练场三部曲”的初衷谈起。

1969年在维尔纽斯出生的奥斯卡·科尔苏诺夫，不仅是立陶宛国家艺术文化大奖获得者，还获得过立陶宛戏剧大奖最佳导演奖 “克里斯托弗”大奖。他1993年毕业于立陶宛音乐学院戏剧导演专业。在学生期，作品就获得了国内外的认可。1999年，他和几个志同道合的艺术家成立了一所以他自己名字命名的独立剧院——奥斯卡·科尔苏诺夫（OKT）剧院。这所剧院不仅仅旨在展现戏剧艺术之美，更力图寻求人在不同时期的争议中和戏剧的融合。

在奥斯卡·科尔苏诺夫看来，“无论是古典的戏剧还是现代的戏剧，我们都在寻找一条万能的路：戏剧艺术最终的使命，就是在我们的生活当中，寻找到其最美的一面。”他认为，人们应该记得的主人公不是过去时代的主人公，也不是舞台上每一幕剧当中的主人公，而是我们今天现实生活当中的主人公，那其实就是我们每一位观众。“所以每一部戏剧，特别是每一个剧院，都应在观众当中寻找自己的主人公，每一个剧院都应该能够找到自己的观众，找到内心当中真正能够理解这个剧院、具有这种潜力的观众。”

奥斯卡·科尔苏诺夫导演的《海鸥》是在OKT剧团的实验剧场中出生的，是其“排练场三部曲”中的结尾篇。奥斯卡·科尔苏诺夫在演出中想要表达的是每一个剧中人物和他的个性之间的关系，剧中每一个人物本身的个性和他扮演的角色个性之间的关系。他希望通过舞台来反映出他自己是如何看待现实生活的。正如他给自己设定的座右铭：将传统的戏剧融入到现代生活中来，不能让观众感觉作品的脱节，而是要让他们感觉到故事情节和他们息息相关，每个人都会在我们的表演中得到不同的人生体验。

在奥斯卡·科尔苏诺夫看来，“契诃夫的每一句台词就像手术刀一样，他通过舞台诊断出了我们时代的弊病，灵魂的顽疾。从某种角度来说，演员表演契诃夫的戏就像要许下希波克拉底誓言一样，因为置身于契诃夫风格的戏中每一刻都是命运的转折。不幸的是，激情、爱情、嫉妒、憎恨这些情感在契诃夫的作品中都被隐藏在了一段段的哀歌里，台词就好像茶话会谈一样，其中的人生只不过是个过客。事实上，契诃夫的戏剧并不是没有情感，观众在看戏的同时通过自己全部的爱和恐惧，来揭示人物的内心。”

因此，奥斯卡·科尔苏诺夫在排演每一部戏时，都在不断地探索作者创作的内涵，而选择以“排练场”的方式排演，也正是希望通过回归戏剧的本质，去探讨当代人与戏剧的关系。“这是我努力的方向，我如何看我自己，我如何看现实生活，都通过剧目和舞台来表现。